音楽文化の移り変わり

音楽にその歴史があるように、それを取り巻くメディアや、人々がそれに親しむ方法にも歴史はあり、それらはお互いが交差するように進化し、大きく変わり続けてきた。1857年に世界最初の音声録音システムであるフォノトグラフが誕生して以降、エジソンによって蓄音機の発明がもたらされ、それが音楽用途にも使えることが明らかになると、1910年には日本でも最初の蓄音機が発売された。そしてそれから今日に至るまでの百数年間で、音楽とそれを取り囲む状況はめまぐるしい変化を遂げている。まず第一に挙げられることは、音楽を録音することが可能になったことによって、演奏の一回性が失われてしまったことである。もちろん、すべての演奏には個性があるが、一つの演奏が完全に録音され、何度も同じ状態で繰り返し聴くことができるようになった為に、ある演奏は演奏というよりも一つの「曲」という状態、凝固した物質として人々に認識されることになった。音楽というものへの認識が一回限りの儀礼的なものから、何度も聴いて味わうことのできる嗜好的なものへと変わっていったのである。同時に録音物と再生装置を一人一人の人間が手に入れることができるようになったことで、ある音楽を一人だけで聴くという体験も可能になった。その一人で音楽を聴くというスタイルをとことんまで特化させたのがカセットプレーヤーというメディアの誕生であり、これによってイヤホンを付けることで誰でも簡単に、好きな場所でどこでも音楽が聴けるようになったのである。それまで音楽というものは、レコードとレコードプレーヤーの持っていた物質的な限界によって、少なくとも自室か、たいていの家では居間に置かれて家族がみんなそのレコードプレーヤーを使う、という状況で聴かれることが多かった。レコードプレーヤーは巨大で、レコードはまた高価なものであった為に、それを聴くという行為自体に、家族揃ってTVで映画を見るような、一種の日常の中にある非日常性的な楽しみを有していたのである。しかしカセットプレーヤーの登場や、レコードプレーヤーの小型化、レコードの販売価格の低下などによってその仰々しさが徐々に減少していった結果、音楽を家族で聴くという体験は聴覚だけの領域ではなくTVの歌番組といった、より一回性の強い複合的な場所に移行していくことになった。このレコードプレーヤーを囲って皆で1つの音楽を聴くという慣習はおそらくクラブのDJ文化などの中に引き継がれており、そこではスクラッチプレイ用に楽器として特化したレコードプレーヤーによって、多くの人間が1つの音楽を聴いて踊るという非日常的な体験が続けられている。このようにメディアの物質的な変化は表面上の文化的な変容だけでなく、それを受容する人々の内面的な音楽観にも影響を及ぼしていく。1つは音楽というものへの価値観の変化である。家族が居間に集まってレコードプレーヤーで音楽を聴いていた時と、蓄音機の周りに人々が集まって順番にそこから音が出ることに驚嘆していた時、カセットテープで町を歩きながら音楽を聴いていた時のそこにある音の価値は、今パソコンでSoundcloudなどのページを開いて、そこにある音楽の再生ボタンをクリックしている時の感覚とはどれも全く違うはずである。それは何か1つの価値が高いところから低いところに時を追って下がっていき、それによって人々の感性も弱まっていったというような単純な上から下への話ではなく、もっと根本的な、自分の中で音楽というものをどう捉えるか、という部分の変化であると思われる。つまり音を録音することが当たり前ではなかった時代、音を録音したものを持っていることが特別だった時代、音を録音することも録音したものを持っていること何もかもが特別ではない時代では、音そのものに対する感じ方が違っていくのである。戦前と戦後で米に対する価値観が違ってくるのと同じである。こうして生まれるもう1つの変化が先に挙げた音楽というものの扱いの変化であり、この扱いの変化が、音楽メディアのあり方を変えることで、再び巡り巡って人々の価値観を変えることになる。2つの変化は表裏一体なのである。個人がレコードを入手する手段が買うという方法しかなく、またその価格も高い時代は、やがてある程度レコードを持っている人間が増えると、それによってレコード自体の価格が下がる為に終焉を迎え、それによって人口に膾炙したレコードは更なる需要を生み、レコードが世の中全体に浸透していくことになる。こうしてレコードが浸透すると今度は個人間で売買ではないレコードの貸し借りが行われるようになり、レコードの売れ行きは次第に平均的なものになっていき、やがてある種の平衡状態を迎える。ここでレコードはもうかつての孤高の録音物ではなくなり、主婦が料理のBGMに流すような気楽なものとなっていることだろう。一方そういった需要と供給が高めていた文化の技術的な側面が新たなメディアを生み出すことにより、平衡状態は破られ、新たなメディアに人々が殺到することによって、全てはまた同じサイクルを繰り返すことになる。しかしこの新たなメディアに移行する時、人々の価値観は知らないところで新しくなっているのである。音楽が人口に膾炙し、レンタルレコード店やレコード喫茶など、個人が音楽を気楽に楽しめる場所が増えたことによって、音楽は非日常的なものからよりパーソナルなものへとその姿を変えていった。パーソナルなものになるということは日常的なものになるということであり、日常的なものになるということはそれが生活の中にとけ込むということである。こうして音楽は一人の人間がその日常生活に流しているもの、座っている家具のようなインテリアへとその姿を変えた。そしてその時代も、CD文化の不況とインターネット上のダウンロード文化の興盛によって現在新たな変化のタームに差し掛かっている。おそらくこれからの変化で最も明らかなのは、これまで受け手側だった人間が、受け手側にいながらも、自ら音楽を製作して、言葉を話すようにそれを外に向けて発信するようになったということである。これまでと違い、MyspaceをはじめSoundcloudやBandcampといった発信者向けのサイトが登場したことによって音楽は今やかつての作品という立場から、何かその作り手の思いそのもののようなものへと変化し始めている。インターネット上では毎日無数の、かつてはお金をかけないと聴けなかったような、あるいはお金をかけてなら絶対作られなかったようなクオリティの音楽が、縦横無尽に交わされ合っている。そこには無料や有料といった金銭的な概念もあまり意味を成していないようでさえある。

文章 PRINTPUB02会員NO.00002:NR 青のりしめじ http://aonorishimeji.com
編集 PRINTPUB02会員NO.00000:fengfeeldesign http://www.fengfeeldesign.org

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ギターの歴史

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一般的にロックンロールの登場と共に世の中に姿を現したとイメージされているエレクトリックギターの歴史は長く、その原初的な形態は早くも20世紀初頭、1910年代にその姿を現している。それはヴァイオリンやバンジョーといった楽器に電話機の伝導体を組み込んでその音を増幅させる今でいうセミ・アコースティック的なものであり、その“増幅”も楽器というよりは物珍しいアイデア商品といった態のものであったが、これらの珍奇な発明品・電気式弦楽器はギター製作者だけではなく、1920年代から30年代にかけて、世界中の多くのアマチュア発明家、玩具製作者によって製作されていた。その中にはギターのブリッジ部分にカーボンマイクロフォンを仕込み、弦の振動を電気信号に変えるという今のピックアップの仕組みに近いものも登場している。しかし、一般に当時は音楽の世界に楽器の音を電気によって増幅させる必要性が存在しなかった為、本格的に楽器としてのエレクトリックギターが考案・開発されることはまだなかった。また、電気に頼らずにギターの音量を増大させる発明として、ブリッジの下にアルミニウム製の共鳴板を取り付けたギター、いわゆるリゾネーター・ギターが発明されたのもこの時期であるが、後にそれらのギターはエレクトリックギターの跳梁と共にそのシェアを奪われ、現在は一部の音楽ジャンルの演奏者たちによって使用されている程度である。そして1930年代に入り、アメリカでいわゆるビッグバンド形式(オーケストラ編成)のジャズが流行するようになると、サックスやトランペットといった楽器群の中でひときわその音が小さいギターはその存在感を示すために、どうしてもその音をほかの楽器と同じか、あるいはそれ以上に大きく鳴らす必要が生じてきた。そこで最初期の楽器的なエレクトリックギターの一群が誕生することとなる。それらのギターの大半は1910年に登場したアコースティックギターに機械を取り付けることでその音を増幅させるというアイデアを継承しており、最初期に登場したタイプはアコースティックギターにピックアップを取り付けるホロウ・ボディと呼ばれるタイプのものであったが、このタイプの楽器はピックアップがアコースティックギター特有の胴体の共鳴を機械が拾ってしまい、必要な音だけでなく不必要なフィードバックまで発生させてしまうという欠点を持っていた。それを克服したのが後にリッケンバッカーとなるナショナル・ストリング・インストゥルメンツ・コーポレーションに所属していた発明家のジョージ・ピーチャムで、彼はアコースティックギターに音を増幅させる装置を取り付ける代わりに、楽器の機構そのものをエレクトリック向けに作り替えてしまうことを考案した。こうして彼が当時先述のリゾネーター・ギターの共鳴板を製作していた機械工場主のアドルフ・リッケンバッカーと協力して作り上げたのが、ボディがすべてアルミニウム製になっている世界初の完全なエレクトリック・ラップスティールギターであるフライング・パンである。フライング・パンはその後二人が設立した会社リッケンバッカーによって1939年まで製造・販売された。その後1934年にVIVI-TONEがボディ部分がアルミニウムではなく全て木材で作られたボディに穴の開いていない(このようなボディを通称ソリッドボディと呼ぶ)エレクトリック・スパニッシュギターを発表すると、1936年にはドラムメーカーとして知られるスリンガーランドも同様にボディを全て木材で作り上げたSlingerland Songster 401と呼ばれるモデルを発表した。フライング・パンがギターのタイプとしては厳密にはラップスティールギターであり、VIVI TONEのものも通称Electric Spanishと呼ばれるスパニッシュギターであったのとは違い、スリンガーランドのこのモデルは最初からエレクトリックギターとしてボディを考案したとされている為、一部ではこのスリンガーランドのモデルこそが厳密な意味での世界最初の(楽器としての)エレクトリックギターだと言われている。そして同年、ギブソンが初の商業ベースのエレクトリックギターとなるES-150を発表、そのシンプルなネーミング(名前のESはElectric Spanishの略、150は販売価格)と150ドルという当時としては破格の値段設定で成功を収めたことで、エレクトリックギターは一気に楽器市場のメインストリームに躍り出ることとなった。そして1946年、エレクトリック・スパニッシュギターの製作に興味を持ったラジオ修理工のレオ・フェンダーがフェンダー・エレクトリック・インストゥルメント製造会社を設立、いくつか試作品を製作したのち1949年に初の量産型エレクトリックギターモデルとなるエスクワイヤーを、翌1950年にブロードキャスターを発表したことが、音楽市場に対する決定打となった。それらのギターはギブソンや他のギターメーカーの抱えていた製作時間や複雑な工程といった問題をボルトインなどのシンプルな独自の製法を取り入れることによってクリアしており、単なる楽器というだけではない、工業製品としてのエレクトリックギターを確立させた。その後1952年にはギブソンがギタリスト兼発明家であるレス・ポールが1941年に開発し、ブロードキャスターにも影響を与えたというギターモデル「THE LOG」をベースにギブソン・レスポールを開発、翌々年にはフェンダーからフェンダー・ストラトキャスターが発表され、現在に至までのエレクトリックギターのスタンダードモデルが確立された。その後エレクトリックギターはロックンロールの興盛とともに世界中に浸透、フライングVやダブルネックギターといった変種モデルを生み出しながらも、様々な音楽ジャンルの演奏者たちによって広く使用され続けている。

取材・協力 PRINTPUB02会員NO.00001:三輪一樹 http://www.miwakazuki.jp
文章 PRINTPUB02会員NO.00002:NR 青のりしめじ http://aonorishimeji.com
編集 PRINTPUB02会員NO.00000:fengfeeldesign http://www.fengfeeldesign.org

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印刷ってなんだろう。

印刷はそれぞれの国で文化の指標となるべくメディアです。WEBでは得られない実質な距離のクリエイティビティの影響を変化としてビジュアル化します。皆さんは印刷に従事している時に何を意識しているでしょうか。印刷の品質でしょうか。または特徴的で特別な何かでしょうか。紙が好き?特殊な加工に憧れている?全ておそらくは正解でしょう。ただし、PRINT PUB 02の目指しているものは別にあります。それは冒頭に書いてある通り、文化の指標そのものなのです。我々が持っている袋のようなものがあって、その袋の中身、サイズによって刷られる内容に差異が表れます。その部分に言及したいのです。その多様化こそが印刷の未来に語られるべき所在であって、印刷の技術とは、それらに対応する形であるべきだと考えています。最近のPRINT PUB 02は印刷とは関係の無いことばかり記事にしています。まさにそこを皆さんと喋りたいのです。芸術を語りたい訳じゃないし、印刷の技術のこれからなどに興味はありません。ただ1つ、皆さんが抱えられている文化にとても興味があります。それこそが、その育みにこそ印刷があると確信しているのです。我々が直面している状況の育みを行う事にこそ印刷があり、それに対しての印刷の行動に、とてもとても意味のある印刷が出来たと言えると思うのです。今の日本の印刷はバランスを欠いています。印刷の豪華などの見た目と、中身としての内容など、高級なのか、チープなのか、それはそういった刷られるだけの価値があるのか、あまり上手く判断されず刷られている現状があります。私はとても疑問に感じます。それは印刷するほどのものですか?印刷している文化はそれほどの価値があるものですか?考えて欲しいのです。印刷の所在と、印刷について。我々は何を育まなくてはならないのか。

NR 音楽サイエンスビュア 「Apple Music 難民の為の資料構築」

NRのスタートは、もともと阪口が音楽の事を知らない興味がない事が発端となります。
前身は西田辺レコード会という月に一度ミワくんのお母さん、ムトくん、青のりくん、阪口という、
訳の分からない、どういう繋がりでそうなったかのメンバーで、
レコードを買いに行く、お茶飲んで音楽の話に花を咲かす、
なんともホッカりするサークルのようなものでした。
阪口に音楽の興味が無いので、
めちゃくちゃ音楽の事を好きな人と行動を共にすれば、
少しくらいはその好きが分かるのではないかという理由からでもあり、
基本的に、音楽さえ鳴ってたら、その時の気分で、なんでもいい、
という発想の人なので、皆さんが夢中でレコードを選ぶ姿が、
阪口には不思議で不思議でとても楽しいものでした。
西田辺レコード会についてはミワくんのお母さんが飽きたら終了、
という裏コードを用意していて、
まあ、見事に飽きて宝塚歌劇に流れていったので、
いい感じに円満解散となった訳です。
その時に、レコードの寄付を全国で募っており、
見事に全国から1000枚を超えるレコードが届いて、
今、我が家に鎮座されておられる訳ですが、
その時の発見や、
何故、CDが売れなくなったのかというのを、
青のりくんと喋る機会が徐々に増えていったような記憶があります。
「僕たちは音楽の事を何も知らない」
これが結論でした。
目線としては、
エグザイルとかジャニーズとか韓流しか聴かないような人達と同じレベルで知らないのではないか、
ということで、
真剣に音楽のことを研究してその結果を流布する事になったのがNRという事になります。
音楽を知っているという事はどういう事なのだろう。
例えば、X-JAPANとミスチル、エグザイルのそれぞれのファンは、
同じ価値観で音楽というものを見ているのだろうか。
フジロックとかライジングサンとか行ってる人は、
そういう人達を少なからずバカにしているのではないだろうか。
阪口は、当時、ムジカイーゼルがちょうど、関西で活動を初めていた頃で、
運良く、その初期の活動から行動を共にする事が多かったのもあって、
芸術としての音楽の在り方をとても考えている頃であり、
青のりくんもTHE FALLしか聴かなくなってしまう病気に掛かってしまっていた頃で、
一体、音楽というのはなんなのか僕達は知らないのではないかとなっていた訳です。
そして無事に研究発表としての一冊めが完成しました。
内容としては、「バンド」にクローズアップを当てて、
ギター、ベース、ドラムのそれぞれプレイヤーにインタビューをして、
回答を得た記事をまとめたものと、
それぞれの自由研究の発表といったラインナップでした。
(その内、フリーでお見せします。
そういう流れでの最新作が、
タイトルにもなっている、
『NR 音楽サイエンスビュア 「Apple Music 難民の為の資料構築」』
になります。
これは阪口が青のりくんに度々、Apple Musicにあるオススメアーティスト名を聞きまくっていた事が、
発端となり制作がスタートしました。
阪口は阪口で、寄った範囲しか知らない訳です「haruka nakamura」を聴くとなると、
その周辺のアーティストしか出てこない。
これじゃ、全然せっかくの素晴らしいライブラリーを使えてない!ってなってて、
こうなったら、ジャンキーに聴いてる青のりくんに、
耳に頼らない、目で見て分かるグラフで幅広くアーティスト発見出来るやつを作ろう!と訴えて作ってもらっちゃいました。
なんかでも、Apple Music登録してて、
知ってる範囲だけであんま使ってないわーってレベルの方に是非見て欲しいと思います。
ていうか阪口がそうな訳ですが。
ぜひ。面白いぞー。

『NR 音楽サイエンスビュア 「Apple Music 難民の為の資料構築」』
PDFデータ→ http://www.fengfeeldesign.org/nr/nr002.pdf

以下にまんま内容も載せておきまする。

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